No Full Stop with
Anne Bourse, Mania Godarzani-Bakthiari, Isabelle Morton
Curated by Julia Künzi
18.9.–17.10.2026
Fotos: Flavio Karrer
The concept of art as knowledge production has been lingering around for longer. Through archival montage or juxtaposition, through speculative fabulation, in a para-fictional aesthetic or as research, exhibitions and the works within more often than not address something, uncover something, challenge dominant narratives, foreground marginalized knowledge, or respond to crisis. Research propositions within a discursive field. This exhibition has no topic, and the works are not examples of a curatorial category. I came to invite Anne Bourse, Mania Godarzani-Bakthiari, and Isabelle Morton quite intuitively. What binds the three practices together stayed just out of reach to name, but felt somehow right; it did not make sense, but is “making sense” a productive way of thinking about art? I decided to go with this intuition, as a way of going with something before it hardens into a category. Not a topical thread, but a feeling that we all share an interest in a specific condition, one that isn’t looking for an ending. Not one of finishing statements or explanations, not commentary, not certainty, something softer.
Early on, despite “the journey is the destination”, we learn what ultimately counts is the final form: the test result and the grade, the polished version. Edges are smoothed, hesitations erased, lines drawn with vigor, letters signed off. A draft occupies a different condition. It keeps the possibility of continuation alive while suggesting a direction. Isabelle Morton’s works sit within this potentiality. While carefully and deliberately assembled, the techniques and materials she uses flirt with staying provisional: left-over cut outs of paper and foil, bearing traces of color, attached with humble nails, wedges as fixtures, fingerprints. The series Hook, line, and sinker (2026) leans on to the walls as architectural comments, cutting the fragmented exhibition space into new angles. On a closer look, their edges show themselves to be cautiously curved, cut-out and sanded, turning the normed scantlings into shaky but elegant silhouettes.
In Anne Bourse’s words, “All the clubs in my work, whether real or fantasized, are mental spaces, empty boxes (une boîte de nuit) to be filled. It’s a box that channels desires, materials, and leftovers, and a place to think about music and the night, whether the sleepless night or the one when, deeply asleep, we dream.” Bourse builds such places from fragments and intimacies: drawings, self-made, pieces of writing, furniture, clothes, things found or kept around. They come together as loose environments, somewhere between a room, a stage and an imagined interior. There is something deliberately porous about these works, sensual and flickering. They seem inhabited, but it is never entirely clear by whom. Rather than one fictional world, the elements allow different characters, hauntings and associations to pass through them.
Different dunes appear in Mania Godarzani-Bakthiari’s film BRB (Be right back) (2023). One in Iran, one in California, a model, a placeholder graphic. Two characters climb these soft hills, both together and on their own. The different sites start to overlap. Scale becomes uncertain and distances collapse, what at first appears to be a landscape might just as well be an image of one. The dunes shift between model, place, memory, without settling entirely into any of them. Also her sculpture (Frauenplatz) Model after Günter Anlauf (2026) can be read within this framework. It is a model of the former water playground in what was once called “Frauenplatz,” in Berlin’s Olympiabad. While the Nazis built the whole complex for the 1936 Olympic Games, the water fountain was added in 1978/79, designed by Berlin sculptor Günter Anlauf. It’s no longer spouting water today, but its whimsical concrete-scape remains in place. Where the dunes blur scale and place, the pool out of marzipan, a material so dense in sugar it’s basically made for eternity, sits between decay and preservation: a perishable thing that stubbornly refuses to perish.
Somewhere in this in-between, thinking about the practices, circling around how to propose these different evasive worlds, I found myself with Maurice Blanchot. In “The Infinite Conversation”, he talks about interruption, pauses, emptiness and incompletion not as absences, but as productive conditions of thought and speech. He points out that the breaks and silences are what ties a conversation together: “The pause that permits exchange, the wait that measures infinite distance”1. Perhaps the same can be asked of the works here: to be finished without being closed, completion and closure being two different things. I like to think of all of them as being just a slight tick out of sync. Although some parts are recognizable as familiar reminders or markers, they don’t inform, they oppose the buzz words and embrace ambiguity, slip their own classifications and open doors to personal fictions.
– Julia Künzi
1 Blanchot, Maurice. The Infinite Conversation. Translated by Susan Hanson. Minneapolis: University of Minnesota Press, 1993, p.79.
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Die Idee von Kunst als Wissensproduktion ist nicht neu. Mit archivarischen Montagen, durch Gegenüberstellungen oder spekulativen Fabulationen, mit quasi-fiktionaler Ästhetik oder als Recherche adressieren Ausstellungen und die darin gezeigten Werke Aktuelles. Sie decken auf, hinterfragen dominante Erzählungen, rücken marginalisiertes Wissen in den Vordergrund, oder reagieren auf Krisen. Recherchen und Vorschläge innerhalb eines diskursiven Feldes. Diese Ausstellung hat kein Thema, und die Werke sind keine Beispiele einer kuratorischen Kategorie. Ich lud Anne Bourse, Mania Godarzani-Bakthiari und Isabelle Morton eher intuitiv ein. Was die drei künstlerischen Praxen miteinander verbindet, war schwer fassbar, fühlte sich aber irgendwie richtig an. Es ergab zwar noch keinen Sinn, aber ist „Sinn ergeben” eine produktive Art, über Kunst nachzudenken? Ich entschied mich, dieser Intuition zu folgen, als eine Art, sich mit diesem dubiosen Etwas zu beschäftigen, bevor es sich zu einer Kategorie verhärtet. Kein thematischer roter Faden, sondern ein Gefühl, dass wir alle ein Interesse an einem bestimmten Zustand teilen, einem, der sich nicht durch Endgültigkeit auszeichnet. Keine abschliessenden Aussagen oder Erklärungen, kein Kommentar, keine Gewissheit, sondern etwas Weicheres.
Früh lernen wir, trotz “der Weg ist das Ziel”, dass das, was schlussendlich zählt, die Endfassung ist: Das Testresultat und die Note, die polierte Version. Geglättete Ecken, letzte Zweifel beseitigt, entschiedene Linien und unterschriebene Briefe. Ein Entwurf ist eine andere Sache. Er hält die Möglichkeiten offen und schlägt dennoch eine Richtung vor. Isabelle Mortons Werke halten sich in diesem Potenzial auf. Sorgfältig und bewusst konstruiert, bleiben die verwendeten Materalien und Techniken provisorisch: ausgeschnittene Papier- und Folienreste, Rückstände von Farbe, mit einfachen Nägeln eingeschlagen, Holzkeile als Ständer, Fingerabdrücke. Die Werke der Serie Hook, line, and sinker (2026) lehnen sich als architektonische Kommentare an die Wände und brechen den fragmentierten Ausstellungsraum in weitere Abteile auf. Beim genaueren Hinsehen zeigen sich die Ecken der normierten Kanthölzer als gekurvt und weichgeschliffen, als wackelige, elegante Silhouetten.
In Anne Bourses Worten “All the clubs in my work, whether real or fantasized, are mental spaces, empty boxes (une boîte de nuit) to be filled. It’s a box that channels desires, materials, and leftovers, and a place to think about music and the night, whether the sleepless night or the one when, deeply asleep, we dream.” Sie baut solche Räume aus Fragmenten und aus Persönlichem: Zeichnungen, selbsthergestellten Stoffen, Textfragmenten, Möbeln, Kleidung, Gefundenem und Liegengebliebenem. Sie kommen als lose Umgebungen zusammen, zwischen Raum, Bühne und imaginiertem Interieur. Sie wirken bewohnt, doch es bleibt nie ganz klar, von wem. Statt einer einzigen fiktionalen Welt lassen die Elemente unterschiedliche Figuren, Heimsuchungen und Assoziationen durch sich hindurchziehen.
Unterschiedliche Dünen tauchen in Mania Godarzani-Bakthiaris Film BRB (Be right back) (2023) auf. Eine im Iran, eine in Kalifornien, ein Modell, eine Platzhalter-Grafik. Zwei Figuren erklimmen die sanften Hügel, gemeinsam und für sich allein. Die verschiedenen Orte beginnen sich zu überlagern. Massstäbe werden unsicher, Distanzen kollabieren, was zunächst wie eine Landschaft erscheint, könnte ebenso gut das Bild einer solchen sein. Die Dünen wechseln zwischen Fiktion, Ort und Erinnerung, ohne sich vollständig auf eines von ihnen festzulegen. Auch ihre Skulptur (Frauenplatz) Model after Günter Anlauf (2026) lässt sich in diesem Gedanken lesen. Es ist ein Modell des ehemaligen Wasserspielplatzes auf dem vormaligen „Frauenplatz” im Berliner Olympiabad. Während die gesamte Anlage von den Nationalsozialisten 1936 errichtet wurde, kam der Wasserbrunnen 1978/79 hinzu, entworfen vom Berliner Bildhauer Günter Anlauf. Heute fliesst darin kein Wasser mehr, doch die skurrile Betonlandschaft bleibt bestehen. Wo die Dünen Massstab und Orte verschwimmen lassen, sitzt der Pool aus Marzipan, einem Material, so dicht an Zucker, dass es geradezu für die Ewigkeit gemacht ist, zwischen Verfall und Konservierung: etwas Vergängliches, das sich hartnäckig weigert zu vergehen.
Irgendwo in diesem Dazwischen, beim Nachdenken über die Künstler:innen und ihre Werke, im Kreisen darum, wie ich über diese unterschiedlichen, sich entziehenden Welten schreiben könnte, fand ich mich bei Maurice Blanchot. In „Das Unendliche Gespräch” spricht er über Unterbrechung, Pausen, Leere und Unvollständigkeit nicht als Abwesenheiten, sondern als produktive Bedingungen des Denkens und Sprechens. Er weist darauf hin, dass gerade die Brüche und das Schweigen ein Gespräch zusammenhalten. “The pause that permits exchange, the wait that measures infinite distance»1. Vielleicht lässt sich dasselbe von den hier gezeigten Werken sagen: sie sind fertig, ohne geschlossen zu sein, wobei Vollendung und Abschluss zwei unterschiedliche Dinge sind. Ich denke gerne, dass sie alle ganz leicht aus dem Takt geraten sind. Obwohl manches als vertraute Anhaltspunkte oder Markierungen erkennbar ist, informieren sie nicht, sie widersetzen sich den zeitgenössischen Buzzwörtern und dehnen sich in Ambiguitäten, entgleiten ihren eigenen Klassifizierungen und öffnen Türen zu persönlichen Fiktionen.
– Julia Künzi
1 Blanchot, Maurice. The Infinite Conversation. Übersetzt von Susan Hanson. Minneapolis: University of Minnesota Press, 1993, S.79.